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欧美艺术史:油画与花艺

信息来源:hhhiii.com  时间:2019-07-12  浏览次数:47

欧美艺术史:油画与花艺

梵高《玫瑰》(1889),油画

欧美艺术史:油画与花艺

《采花的少女》(79),庞贝古城

欧美艺术史:油画与花艺

《花篮》(2世纪),马赛克画,梵蒂冈

中世纪时,西方插花主要为神前供花,具有浓郁的宗教色彩。罐子中的鸢尾花和百合花也是用来象征圣母玛利亚的纯洁,而玻璃瓶中的七朵耧斗花,象征着圣父赋予圣子的七中品格,包括:智慧、理解、协商、力量、知识、敬畏和虔诚。

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西蒙·马提尼《圣母领报》(1333),三联版画

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凡·德尔·高斯《朝拜圣子(Portinari Triptych)》(1475),三联木版油画

随着欧洲贸易的兴盛,鲜花的种类也更为繁丰,下图是佛兰德艺术家笔下的典型插花类型。在画碗中,一支或两支茎条形成了插花两侧向下流动的线条,轻柔地抚摸着花束。花茎延伸向下,低于水面,与在此之前剪短花茎以使插花向上延伸的造型趋势相悖。

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A spring group of the lavish style of the Flemish painters

雷切尔的《插花静物》以非对称的插花设计和各色的鲜花使画面更具活力;不同季节的花卉同时出现,既象征着财富(国际贸易使各个地区的鲜花同时出现),又表现出自然的四季轮回和生命的短暂但却充满了各种美好。

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雷切尔·勒伊斯《静物插花》(1710),油画

梵高的一系列《向日葵》创作于法国南部,画中浓厚的笔触和高饱和的颜色使向日葵充满了热情,令人感到振奋。

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文森特·梵高 《向日葵》其中两幅,油画

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在西方文化的血脉中,插花作为艺术的一种,其一花一叶都有生活的缩影。英国、荷兰和法国一直以传统的西方花艺而闻名,在欧洲的小巷中,随处可见鲜花的影子。在世界最大花卉产地之一的荷兰,人们茶余饭后习惯买一束鲜花回家,亲朋好友间最重要也是最得体的礼物就是一束鲜花。除了日常生活中,鲜花在宗教、艺术和重大节日中也都扮演着重要的角色。

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在古典油画静物花艺中,如何赋予作品更多的生命力,主要取决于作者对静物色彩的表达。

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构图与色彩能直接冲击视觉感官,画面的点、线、面的结合很重要,古典油画静物的色彩表达存在一定的规律:对静物大小、色彩、光源的观察、找寻物体的固有色、光源色、环境色的生成关系,最后用色彩塑造物体的体积感、质感和空间感等。

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所以,在花艺创作中带着预期目的性准备花材,根据主题或者背景来确定花材的色系,明确花材的主色调是暖色调红、橙、黄,还是冷色调蓝、紫、白等。而画面的协调性主要取决于主色调的把握和定位,观察色彩要纵观整个作品,还需要养成从整体上观察色彩的好习惯。

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人们对色彩的认识,运用过程是从感性升华到理性的过程。所谓理性色彩,就是借助人所独具的判断、推理、演绎等抽象思维能力。

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蓬勃生机的大自然孕育着世上最丰富的色彩。每一朵花、每一株草、每一棵树甚至同一片叶、同一根花茎、同一个果实都有着不同层次的颜色。

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色彩如此重要。作为一名设计师或是一名时尚人士,对于色彩的把控便绝不能仅仅局限于“点到即止”。

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如今,从建筑师,室内设计师,到服装设计师,花艺设计师......在追求形态和功能,美感和时尚的同时,色彩成为了“不可忽视”的存在。

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彩的有效利用可以丰富人的精神感受。将色彩运用于平面设计中,视觉与心理相结合,可以带给人更深层次的感觉。色彩是提升平面设计层次的重要组成因素。

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合理的色彩运用可以突出设计主旨。每种色彩带给人的视觉感受,传达的信息都是不同的。

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比如,蓝色代表平静;紫色代表神秘与浪漫;绿色代表生命的绽放与活力;而橙色代表着狂野与热情。不同色彩,不同程度的运用,给人不一样的心理感受。

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色彩归纳对于花艺师来说是一个重要的环节,它训练的不仅是花艺师们的色彩感觉,同时训练他们的理性思维方式,以及处理色调的能力。

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在花艺设计当中,颜色搭配的好坏,决定着花艺作品的成败。一个好的作品色彩必定是协调的,无论它表现的主题是素雅还是奢华、柔美还是艳丽。

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花艺色彩与单纯的美术色彩有许多不同之处,美术上的色彩可由颜料随心调配有更多的可控制性,而花材的色彩是自然形成,并多为复色色彩,即一朵花会包含许多不同的颜色,在花艺设计中色彩的搭配则需要对色彩更多的分析与理解。

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欧美花艺设计课堂,将色彩运用到极致,尝试你不敢触及的颜色,提升对色彩的认知,在认知与运用的积累上,不断碰撞出来,并产生更多的可能性,让你变成好“色”之徒。

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