梵高《玫瑰》（1889），油画
《采花的少女》（79），庞贝古城
《花篮》（2世纪），马赛克画，梵蒂冈
中世纪时，西方插花主要为神前供花，具有浓郁的宗教色彩。罐子中的鸢尾花和百合花也是用来象征圣母玛利亚的纯洁，而玻璃瓶中的七朵耧斗花，象征着圣父赋予圣子的七中品格，包括：智慧、理解、协商、力量、知识、敬畏和虔诚。
西蒙·马提尼《圣母领报》（1333），三联版画
凡·德尔·高斯《朝拜圣子（Portinari Triptych）》（1475），三联木版油画
随着欧洲贸易的兴盛，鲜花的种类也更为繁丰，下图是佛兰德艺术家笔下的典型插花类型。在画碗中，一支或两支茎条形成了插花两侧向下流动的线条，轻柔地抚摸着花束。花茎延伸向下，低于水面，与在此之前剪短花茎以使插花向上延伸的造型趋势相悖。
A spring group of the lavish style of the Flemish painters
雷切尔的《插花静物》以非对称的插花设计和各色的鲜花使画面更具活力；不同季节的花卉同时出现，既象征着财富（国际贸易使各个地区的鲜花同时出现），又表现出自然的四季轮回和生命的短暂但却充满了各种美好。
雷切尔·勒伊斯《静物插花》(1710)，油画
梵高的一系列《向日葵》创作于法国南部，画中浓厚的笔触和高饱和的颜色使向日葵充满了热情，令人感到振奋。
文森特·梵高 《向日葵》其中两幅，油画
在西方文化的血脉中，插花作为艺术的一种，其一花一叶都有生活的缩影。英国、荷兰和法国一直以传统的西方花艺而闻名，在欧洲的小巷中，随处可见鲜花的影子。在世界最大花卉产地之一的荷兰，人们茶余饭后习惯买一束鲜花回家，亲朋好友间最重要也是最得体的礼物就是一束鲜花。除了日常生活中，鲜花在宗教、艺术和重大节日中也都扮演着重要的角色。
在古典油画静物花艺中，如何赋予作品更多的生命力，主要取决于作者对静物色彩的表达。
构图与色彩能直接冲击视觉感官，画面的点、线、面的结合很重要，古典油画静物的色彩表达存在一定的规律：对静物大小、色彩、光源的观察、找寻物体的固有色、光源色、环境色的生成关系，最后用色彩塑造物体的体积感、质感和空间感等。
所以，在花艺创作中带着预期目的性准备花材，根据主题或者背景来确定花材的色系，明确花材的主色调是暖色调红、橙、黄，还是冷色调蓝、紫、白等。而画面的协调性主要取决于主色调的把握和定位，观察色彩要纵观整个作品，还需要养成从整体上观察色彩的好习惯。
人们对色彩的认识，运用过程是从感性升华到理性的过程。所谓理性色彩，就是借助人所独具的判断、推理、演绎等抽象思维能力。
蓬勃生机的大自然孕育着世上最丰富的色彩。每一朵花、每一株草、每一棵树甚至同一片叶、同一根花茎、同一个果实都有着不同层次的颜色。
色彩如此重要。作为一名设计师或是一名时尚人士，对于色彩的把控便绝不能仅仅局限于“点到即止”。
如今，从建筑师，室内设计师，到服装设计师，花艺设计师......在追求形态和功能，美感和时尚的同时，色彩成为了“不可忽视”的存在。
彩的有效利用可以丰富人的精神感受。将色彩运用于平面设计中，视觉与心理相结合，可以带给人更深层次的感觉。色彩是提升平面设计层次的重要组成因素。
合理的色彩运用可以突出设计主旨。每种色彩带给人的视觉感受，传达的信息都是不同的。
比如，蓝色代表平静；紫色代表神秘与浪漫；绿色代表生命的绽放与活力；而橙色代表着狂野与热情。不同色彩，不同程度的运用，给人不一样的心理感受。
色彩归纳对于花艺师来说是一个重要的环节，它训练的不仅是花艺师们的色彩感觉，同时训练他们的理性思维方式，以及处理色调的能力。
在花艺设计当中，颜色搭配的好坏，决定着花艺作品的成败。一个好的作品色彩必定是协调的，无论它表现的主题是素雅还是奢华、柔美还是艳丽。
花艺色彩与单纯的美术色彩有许多不同之处，美术上的色彩可由颜料随心调配有更多的可控制性，而花材的色彩是自然形成，并多为复色色彩，即一朵花会包含许多不同的颜色，在花艺设计中色彩的搭配则需要对色彩更多的分析与理解。
欧美花艺设计课堂，将色彩运用到极致，尝试你不敢触及的颜色，提升对色彩的认知，在认知与运用的积累上，不断碰撞出来，并产生更多的可能性，让你变成好“色”之徒。
